RHINOCERVS: Cinema, Dança, Música, Teatro
A RHINOCERVS: Cinema, Dança, Música, Teatro (ISSN 2795-577X, e-ISSN 2795-5788) é uma revista de divulgação científica e artística, semestral, editada em português, inglês, francês ou espanhol, com revisão por pares, dedicada às artes performativas e cinema editada pelo Politécnico de Lisboa. Visa a publicação de estudos relativos às várias áreas, nomeadamente dança, música, teatro e cinema, não só sob o ponto de vista da performance, mas também da composição e escrita dramática e cinematográfica, sob os mais variados pontos de vista, do estético, histórico, filosófico, técnico, pedagógico-didático, reflexivo sobre a produção artística, bem como relativamente às relações entre diferentes formas artísticas e artes intermediais.
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Introdução: hibridismo como uma condição inevitável das artes
O artigo introdutório ao número especial da revista Rhinocervs – Cinema, Dança, Música, Teatro (Junho 2025), intitulado Nexos Intermediais – O Estado Impuro das Artes, explica a lógica subjacente ao tema do hibridismo artístico a partir de duas perspectivas aparentemente opostas, a das artes e a dos mediums (em português: meios), que, no entanto, se mesclam no conceito e na prática da Intermedialidade.
Direitos de Autor (c) 2025 RHINOCERVS: Cinema, Dança, Música, Teatro https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Uma arquitetura coreográfica e performativa na intermedialidade de Body-Buildings
O filme de Henrique Pina Body-Buildings (2023) coloca em diálogo a dança, a arquitetura e o cinema, ao apresentar seis obras performáticas de seis coreógrafos diferentes que decorrem em seis obras de arquitetura distintas em Portugal. Este filme de natureza intermedial apresenta-se em oposição à ideia do mero registo da peça de dança filmada em espaços arquitetónicos. A câmara cinematográfica de Pina entra em diálogo com o movimento dos corpos e com a arquitetura, invocando outras perspetivas/ visões/ planos, que seriam impossíveis de concretizar na vivência quotidiana do espaço arquitetónico. Body-Buildings não celebra apenas o encontro direto entre as artes performativas e a arquitetura, mas também constrói e abre as vias respiratórias a um espaço fértil e híbrido que nos transporta para o abismo de novas possibilidades estéticas e sensoriais. A intermedialidade presente nesta obra não é apenas uma ferramenta de experimentação, mas encerra em si uma força transformadora que procura redefinir a forma como se entende e experiencia o espaço e a arte.
Corporalidade e imagística, intermedialidade e inter-sensualidade no filme Portrait of a Lady on Fire, de Céline Sciamma
O drama romântico de Céline Sciamma de 2019 dá ênfase à representação pictórica relacionada com a questão do olhar feminino [female gaze]. O filme aborda a feminilidade ao empregar de modo quase exclusivo personagens do sexo feminino, mas também ao enfatizar manifestamente o poder do olhar feminino. Partindo de uma análise intersecional (Wilson 2021), o artigo propõe pensar mais a fundo os diferentes modos como o olhar feminino se encontra relacionado com a intermedialidade e a intersensualidade, convidando a um diálogo simbiótico entre os sentidos e as outras artes. Na relação entre pintura e cinema também se abordará o contributo da pintora Hélène Delmaire. O filme de Sciamma dramatiza o processo de transformação em imagem, o qual implica uma objectificação, e o papel da perceção feminina na tentativa de resistir a esse resultado. O processo de pintura torna-se mediador no processamento de emoções, dando voz ao indizível num extravasamento de sensações e de transformações intermediais.
Interpretar os media e jogar com os sentidos
Neste artigo considero o teatro como o paradigma de todas as artes e como a arte do performer. Concentro-me nos aspectos performativos da arte tal como manifestados na construção de mundos, no posicionamento em palco (“staging”), auto-referenciação e auto-reflexão. Estes dois últimos aspetos são particularmente relevantes na minha interpretação de intermedialidade como um modo específico de performatividade, provocando – com todas as suas fricções, contrastes e disjunções – uma força criava que ocorre de acordo com o princípio de “ambos-e”. Também abordo o facto de o teatro funcionar como um hípermeio [hypermedium], servindo de palco para que outros media possam ser encenados ou até mesmo, e sobretudo, funcionando como um local de interpretação e prazeroso usufruto de outros media permitindo um jogo com os sentidos e conferindo ao espectador um papel de experienciador. Através de uma breve análise de três espectáculos, proponho-me demonstrar como o princípio intermedial do ambos-e pode funcionar.
Os objectivos éticos como critério de criação: a companhia checoslovaca Theatre on a String na década de 1980
Na década de 1980 a companhia checoslovaca de teatro alternativo Divadlo na provázku (em inglês: Theatre on a String; em português: Teatro Num Cordel) experimentou a possibilidade de explorar múltiplas formas de arte e de ignorar os limites estritamente definidos para cada disciplina artística. O ponto de partida foi o seu programa artístico de “irregularidade”, que se refletia em todos os componentes da produção teatral, no processo de encenação e na organização do grupo. Este caso de estudo debruça-se sobre um projeto teatral específico que decorreu no outono de 1985, intitulado precisamente O Projeto 1985, o qual se situava entre a literatura e o teatro. O destaque vai para o sketch teatral The Monument [O Monumento], estreado a 30 de novembro de 1985 e levado à cena juntamente com uma escultura de Jan Šimek. O artigo tem em conta o facto de a companhia funcionar sob um regime comunista autoritário onde vigorava a censura, descrevendo as estratégias necessárias para garantir que o espectáculo estreasse perante o público. O grupo entendia o teatro como uma ferramenta em que as performances eram imbuídas de objetivos éticos mais do que estéticos.
“Quem está aí?” Distância performativa e público intermedial na ciberformance
A ciberformance, uma prática híbrida que mistura ambientes físicos e virtuais, desafia as noções tradicionais de participação do público e de distância performativa. Este artigo investiga como a intermedialidade molda a dinâmica destas performances, levando ao surgimento de um público intermedial. Baseando-se nas teorias clássicas de Bertolt Brecht e Antonin Artaud, em académicos contemporâneos como Freda Chapple e Chiel Kattenbelt e na prática da ciberartista Helen Varley Jamieson, este ensaio estabelece uma ponte entre perspetivas históricas e teóricas e exemplos práticos de ciberformance. A mudança de paradigma possibilitada pelas tecnologias da internet permite uma convergência entre artistas e público, transformando criações artísticas individuais em processos colaborativos. A pergunta de Hamlet “Quem está aí?” simboliza a consciência duradoura do público, agora reformulada dentro dos contextos digitais e de realidade mista. Este artigo explora como a ciberformance negocia interação, autoria e agência, examinando o equilíbrio entre o controle do performer e a participação do público.
Modalidade espaço-temporal em Aqui, de McGuire: conecções intermidiais entre graphic novels e arquitetura
O tempo é um dos grandes temas da arte, explorado não como um conceito abstrato, mas por seus profundos efeitos na existência humana. Na graphic novel Here (2017), de Richard McGuire, o tempo interage com o espaço e emerge como uma força narrativa, atuando como narrador-personagem. A obra de McGuire desafia a lógica espaço-temporal convencional, integrando a intermidialidade e perspectiva, à luz da arquitetura. A narrativa se desenrola por meio de temporalidades sobrepostas em quadros estáticos, não lineares. Essa complexidade visual ressoa com as modalidades de Lars Elleström. Assim, o objetivo do artigo é discutir como o narrador se revela como uma câmera fixada pelo tempo, enquanto a quina de uma sala de estar se torna personagem-testemunha de uma longa história. Ao situar Here na interseção entre graphic novels e arquitetura, o uso inovador do espaço estático e da temporalidade dinâmica redefine as possibilidades narrativas na arte sequencial.
Cinema modular – Um filme-resposta de Chantal Akerman a Pina Bausch
O propósito deste artigo é demonstrar como o filme Un jour Pina a demandé (1983), de Chantal Akerman, mais do que inscrever-se na linhagem de documentários e peças televisivas sobre a figura artística de Pina Bausch, pode (e deve) ser pensado como filme-resposta (uma resposta criativa, se quisermos) à praxis da coreógrafa alemã. Un jour Pina a demandé actua como co-criador face à matéria artística (imagens e sons dos espectáculos, e/ou ensaios de Bausch e dos bailarinos da sua Companhia – a Tanztheater Wuppertal) que se propõe a modular cinematograficamente. Identificaremos, nesse tratamento, uma série de operações cinematográficas que condizem com o método de criação (i.e. da visão) da própria Pina Bausch. Por fim, argumentaremos que o filme de Akerman serve de modelo para uma definição de cinema modular, segundo a qual a praxis cinematográfica pode ser pensada como uma resposta afectiva a outras obras de arte (cénicas, plásticas, visuais ou sonoras), revelando os aspectos intrinsecamente cinematográficos e, possivelmente, originando uma outra obra a partir dessa revelação.
Ficção, realidade e média arte digital: a curadoria como ferramenta de sensibilização no desporto
Neste artigo destacamos o papel da curadoria ativista como ferramenta de reflexão e de transformação. social. Através da análise de um projeto curatorial, pretende-se demonstrar de que forma a integração de narrativas expositivas com a arte digital pode ajudar a promover a igualdade de género no desporto. Explora-se o papel dos museus como meios de comunicação, a interseção entre igualdade de género e média-arte, e o impacto das tecnologias digitais em narrativas imersivas. A exposição MULHERES NO DESPORTO, do projeto Paralelo 3, exemplifica esta abordagem, combinando factos, como marcos históricos e estatísticas de género, com elementos ficcionais, como personagens criadas por inteligência artificial e instalações interativas. Esta fusão narrativa visa sensibilizar os visitantes, fomentando diálogo e empatia. A colaboração entre curadoria, tecnologia e arte reforça a importância da criatividade na conceção de exposições transformadoras, que vão além da contemplação passiva para estimular a consciencialização e a mudança social.
Desfazendo fronteiras: uma reflexão sobre o campo expandido nas artes do caminhar a partir da caminhada artística Imemorial: Passos no Cativeiro
Neste artigo queremos pensar a caminhada como uma forma de arte “expandida”, enquanto expressão artística de convergência entre vários formatos integrando elementos tão diversos como tempo, espaço, performance, cenografia, sonoplastia, dramaturgia, tecnologia e participação do público, para criar experiências imersivas e incorporadas. Enfatizamos o seu potencial como acontecimento multimodal, mobilizador, capaz de gerar novos estratos de significação no espaço público, e a sua capacidade inerente de envolver os participantes num processo de receção ativa, inserindo-se num campo de práticas artísticas contemporâneas que tensionam a relação entre corpo, história e paisagem urbana. Debruçamo-nos sobre um caso de estudo, a caminhada-performativa: Imemorial-Passos no Cativeiro, que num percurso estruturado em estações narrativas, questiona processos de apagamento histórico fazendo uso de um dispositivo narrativo e sensorial ativador da memória coletiva e (re)configurador da perceção do espaço urbano. A partir desta análise, discutimos como as artes do caminhar se podem posicionar na interseção entre estética, política e tecnologia, evidenciando a sua relevância no panorama das práticas artísticas contemporâneas.
A Rhinocervs - Cinema, Dança, Música, Teatro é um periódico científico do Instituto Politécnico de Lisboa, especialmente dedicado às áreas artísticas e científicas do cinema, dança, música e teatro. A publicação do nº. 2 reafirma não só o compromisso das escolas de arte do IPL na produção e divulgação de investigação e prática artística relevantes nas áreas indicadas, em particular, obedecendo, porém, a um princípio extenso de entendimento das artes e das suas relações, em geral, mas sobretudo à pretensão de intervenção e pertença a um contexto alargado de investigação e prática artísticas, a nível nacional e internacional.
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A “Liberdade” no Film Noir: a Femme Fatale como símbolo da libertação feminina no cinema
Reflexão sobre o film noir, desenvolvido nos Estados Unidos da América, no período dos anos quarenta e cinquenta do século XX e como este género cinematográfico, inserido num espaço temporal de guerra e pós-guerra se pode associar ao conceito de liberdade. E em particular, como a personagem femme fatale, se tornou, numa época de restrições e censura, num símbolo da liberdade feminina.
Uma exploração teórica a partir da performance Movimentos Demorados para uma Alegria Obstinada
Este artigo reflete sobre uma prática iniciada por Inês Zinho Pinheiro e Massimo Milella após a sua performance de 2023, Movimentos Demorados para uma Alegria Obstinada, criada com um grupo informal de performers-investigadores em som, dança e dramaturgia visual. A prática é orientada por uma metodologia em desenvolvimento introduzida por Inês, intitulada dancepting, que combina coreografia, dança e investigação teórica. O artigo desdobra-se em três questões-chave extraídas desta prática: ‘Como podemos imaginar uma escolha?’ explora o potencial de movimentos ainda por realizar, destacando a tensão entre o visível e o invisível; ‘Como concretizamos algo intangível?’ aborda o desafio de tornar ideias abstratas visíveis e tangíveis, preservando a sua intangibilidade; ‘Como passamos por isso juntos?’ considera o equilíbrio entre autonomia e coletividade nesta performance. O artigo conclui com uma conversa danceituada que funde narrativas e leituras, sendo marcada por uma leve ingenuidade essencial à procura de uma alegria obstinada.
Neste artigo, discutem-se a teoria e a inspiração subjacentes à produção, realização e montagem de numa adaptação cinematográfica do Rei Lear de Shakespeare intitulada Nothing From Nothing (2024/2025). O objetivo é realçar o valor estético do nada, expondo a capacidade e o poder milagroso do nada para se criar a si próprio a partir de si próprio e para inspirar a criatividade autónoma nos outros.
Réquiem por la muerte de Miguel Hernández de José Antonio Cáceres: una obra de poesía cinética en el final del franquismo
Réquiem por la muerte de Miguel Hernández es una obra de poesía cinética de José Antonio Cáceres realizada 1975. Es la primera del grupo de siete cinéticas que produce en el final de la década 1966-1976, en la que desarrolla el grueso de su poesía experimental. Se tensiona, temáticamente, con la situación sociopolítica de España en el final del franquismo, y experimentalmente, con la vanguardia universal de la poesía visual. Se trata, además, de la primera obra en la que prescinde de cualquier elemento caligráfico relativo al lenguaje escrito convencional, suponiendo un avance sin retorno en su evolución experimental.
Réquiem por la muerte de Miguel Hernádez
Arte e Liberdade: as armas e o povo – algumas tendências no cinema (... e não só)
Através de exemplos como o filme As Armas e o Povo (1975), o presente artigo visa apelar para a relação entre a arte e a liberdade. Uma relação complexa, nem sempre fácil, sobretudo em tempos de ditadura. Autores como Simone Weil, Álvaro Cunhal, Zigmunt Bauman, entre outros, ajudarão a complementar a reflexão teórica.
Publique-se o que os empresários censuraram: O Bezerro de Ouro
O artigo pretende destacar a importância da liberdade como direito natural e sua conexão com a arte e a formação da opinião pública. Discute a relação entre direito, moral e justiça por meio de referências à escrita de dramaturgos que não foram levadas a palco. O conflito entre consciência individual e autoridade estatal é um tema central. O texto enfatiza o impacto da arte no desafio das normas sociais, o papel da moral e do direito na governação e as implicações da censura e do autoritarismo.
Porquê e para quê: RHINOCERVS - Cinema, Dança, Música, Teatro
A revista científica RHINOCERVS - Cinema, Dança, Música, Teatro é uma publicação científica do Politécnico de Lisboa e das suas Escolas das Artes: Escola Superior de Dança, Escola Superior de Música de Lisboa e Escola Superior de Teatro e Cinema. Pretende ser um fórum para todos quantos queiram publicar e divulgar as suas investigações, percorrendo as temáticas da performance, composição, criação, design de cena, escrita dramática e cinematográfica, dos pontos de vista estético, histórico, filosófico, técnico, pedagógico-didático ou reflexivo, bem como as diferentes relações entre as formas artísticas e as artes intermediais.
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Manuel de Sá Couto, o “Lagoncinha” (1768-1837), expoente da organaria histórica portuguesa
O órgão histórico de tipo português foi definido na viragem do século XVIII para o XIX através da atividade exercida na região de Lisboa pelos mestres organeiros António Xavier Machado e Cerveira (1756-1828) e Joaquim António Peres Fontanes (1750-1818). No norte do país, este modelo orgânico foi ampla e contemporaneamente implementado pelo mestre organeiro Manuel de Sá Couto (1768-1737), formado na escola organeira emanada da oficina vimaranense do mestre galego Francisco Antonio de Solla Filgueira (1731-1794). Pese embora o “Lagoncinha” – alcunha pela qual Sá Couto também ficou conhecido – tenha realizado uma síntese pessoal entre tradição ibérica e portuguesa, manifesta na elevada qualidade técnica e artística das várias dezenas de órgãos que construiu ainda preservados, a sua relevância no contexto da organaria portuguesa oitocentista ainda não foi devidamente legitimada pela historiografia do órgão em Portugal. É precisamente este reconhecimento que o presente artigo vem reivindicar.
Serenatas e Serenins: prática musical e encenação do poder régio no Palácio da Ajuda em finais do século XVIII, segundo o testemunho de um viajante francês
A música nas cerimónias de corte está frequentemente associada a representações de poder, sublinhando ou atenuando determinados aspectos que nos ajudam a compreender, para além das questões puramente musicais, também a acção política no seu todo. Neste artigo, é examinada a prática musical no Palácio da Ajuda no final do século XVIII, durante o reinado de D. Maria I, tendo por base o testemunho do diplomata francês Marc Antoine Marie, Marquês de Bombelles. Enquadra-se historicamente a construção do Palácio da Ajuda e a remodelação da Sala dos Serenins, abordando alguns dos seus traços decorativos característicos. De seguida, discute-se a questão da localização e utilização dos dois espaços do Palácio destinados à música. Examina-se a prática musical nesses espaços, com especial atenção à localização dos instrumentistas e demais intervenientes e, por fim, relaciona-se as apresentações musicais assim retratadas com a estratégia de representação política de D. Maria I, sugerindo-se algumas conclusões.
A lição de Platão sobre género: androginia como busca da totalidade em Hedwig and the Angry Inch (2001)
Ao adaptar ao cinema o seu musical off-Broadway Hedwig and the Angry Inch, John Cameron Mitchell vitalizou o mito do Andrógino. Este filme, de título homónimo, é uma proeza cinematográfica pois evidencia o tópico principal na própria temática da obra numa abordagem popular contrária aos pergaminhos das principais fontes canónicas: o mito bíblico da Criação e o relato mitológico que Platão inscreveu em O Banquete. A protagonista transgénero, Hedwig, é uma cisão humana que busca uma totalidade simbólica através da música. O mito platónico da criação tem, pois, por correlato artístico a variante do glam rock. A arte musical é aqui equiparada à criação e Hedwig, como artista andrógina, é dotada dos dois princípios psíquicos (feminino e masculino), representando o cerne da dualidade artística. Este filme não é uma obra sobre a criação em geral, mas sim um filme sobre o mito do autor e a sua natureza intrínseca.
A performatividade do traje: um ensaio a partir do Afoxé filhos de Gandhy
Este ensaio trata da performatividade do traje e surge a partir de uma reflexão iniciada na edição de 2020 do Critical Costume, encontro internacional sobre traje de cena. Questiono se a performatividade do traje não começa antes mesmo de ele ser criado, por meio de valores materiais e imateriais, com base em reflexões propostas por Ligiéro (2011) e Viana e Bassi (2014). O estudo de caso a ser analisado é o do bloco Afoxé Filhos de Gandhy, de Salvador, Bahia.
Que tipo de ligação é essa entre a arte e a democracia? Ao longo do artigo são enunciados aspectos que tentam elucidar modos de ligações entre a arte e democracia. Sabendo que o próprio termo, democracia, deve ser pensado na sua origem e nas suas formalizações na arte ao longo dos tempos, o desafio na contemporaneidade é desmontar sistemas onde a democracia é mascarada. Tudo que envolva a lógica de mercado onde a arte se encontra, traduz sistemas de consensos que, como Rancière faz notar, suprime a política sendo que política para o filósofo é dissenso. Dissenso ou desvio fundamental que merece também ser analisado enquanto oposição ao consenso na arte e à arte enquanto objeto de mercado. O artístico, tal como o político ou o estético, torna-se no objeto necessário para pensar a arte através da arte, ou seja, de forma independente do estado em que esta se encontra.
Teatro cósmico: o estado em movimento do Teatro
O termo “teatro” tem vindo a perder alguma preponderância, optando muitas artistas e também a academia, por nomes como “artes performativas” ou “artes cénicas” ou “artes vivas”. Esta busca de uma maior abrangência com a alteração de nomenclatura segue uma tendência com raízes antigas, mas que hoje se apresenta mais confiante. Ao teatro do início do sec. XX como lugar da confluência de diferentes disciplinas e artes, responde a possibilidade de hoje encontrarmos nas salas de espetáculo objetos que, não só abraçaram essa pluralidade, como se distanciaram de uma essência que os irmanava. Usando vocabulário e pensamento extraído do campo da arte contemporânea, este ensaio procura descrições mais capazes de abarcar a pluralidade de certos espetáculos de teatro e artes performativas, partindo do princípio de que se, por um lado, as categorias são formas obsoletas e conservadoras para deles falar, também são elas que permitem o seu reconhecimento social.
A voz como lugar de encontro e inclusão nas artes performativas
Neste artigo são abordados não só o carácter único e relacional da voz trazido por Adriana Cavarero, como o poder inclusivo e feminista da pesquisa vocal em contraponto a uma abordagem logocêntrica e melocêntrica com que, maioritariamente, é pensada a vocalidade. Secundarizada, como uma "sobra" ou um excesso decorrente de um discurso, a voz para além do logos é arredada da teoria, mesmo por autores mais disruptivos como Judith Butler. No entanto, criadores/vocalistas/pensadores como Cathy Berberian, Antonin Artaud, Meredith Monk, Fátima Miranda, Roy Hart, Diamanda Galàs, Laurie Anderson dão-nos pistas inspiradoras de como a voz pode romper os paradigmas instituídos.
A relação entre as ideias de cidade e cidadania e teatro constitui um dos tópicos mais convocados para legitimar a importância do teatro e o objeto fundamental da sua prática. Neste texto, procuro perceber algumas das causas e consequências desta assunção e debato a sua consistência e sentido.
A minha geração tem uma relação contraditória com a ideia de evasão.
Para um estado da arte do cinema português contemporâneo: contextos, ficções e ensaios
O presente artigo pretende fazer uma retrospectiva sobre o Cinema Português do início do século XXI, tendo como base a análise de três primeiras-obras com diferentes abordagens temáticas e estilísticas: “Alice”, “Farpões Baldios” e “A Metamorfose dos Pássaros”. Procura-se assim esboçar algumas conclusões sobre o que poderia ser um estado da arte da cinematografia nacional, abordando conceitos como o de introspecção, crença, imaginário, herói colectivo e referente social.
Para uma nova cinefilia: o filme-museu como cartografia do real
Neste texto, abordar-se-ão dimensões de produção do que denominámos filmes-museu, justificando a necessidade da sua existência para proveito e fruição de um novo tipo de espectador. Numa época de omnipresença telemática, a desconsideração da temporalidade e da espacialidade provocam uma reversão da interioridade, uma perda da experiência de aprofundamento dos filmes por parte dos seus fruidores. Os filmes-museu geram efeitos de monumentalidade, conseguem transformar um intervalo de tempo num acontecimento, convocam o espectador, capacitando-o como co-produtor de sentido, tornando-o activo. É assim que um cinema de cartografia do real possibilita a desmontagem e remontagem por parte do espectador, a caminho de uma nova cinefilia. Como ilustração deste fenómeno mais amplo, convocar-se-á o filme No Quarto da Vanda, de Pedro Costa.
Exploro neste artigo a questão da utilização do vestuário, per se, no pressuposto da ausência do corpo. Um objeto — o vestuário — no rescaldo de uma personagem social ou de um espetáculo. Um objeto artístico, agora, parte de uma outra encenação que o apresenta e protagoniza, como se fosse uma espécie de personagem transversal que, a partir do Teatro e da Moda, opera na esfera da Arte Contemporânea. Para sustentar o deslocamento objetual do figurino, ao propor a designação de metafigurino, parto das palavras-chave enunciadas, esperando contribuir para amplificar o debate, na medida em que se aborda a possibilidade de uma perspetiva relacional entre o objeto e o campo de forças que, normalmente, envolve uma relação física e emocional entre seres humanos.