RHINOCERVS: Cinema, Dança, Música, Teatro
A RHINOCERVS: Cinema, Dança, Música, Teatro (ISSN 2795-577X, e-ISSN 2795-5788) é uma revista de divulgação científica e artística, semestral, editada em português, inglês, francês ou espanhol, com revisão por pares, dedicada às artes performativas e cinema editada pelo Politécnico de Lisboa. Visa a publicação de estudos relativos às várias áreas, nomeadamente dança, música, teatro e cinema, não só sob o ponto de vista da performance, mas também da composição e escrita dramática e cinematográfica, sob os mais variados pontos de vista, do estético, histórico, filosófico, técnico, pedagógico-didático, reflexivo sobre a produção artística, bem como relativamente às relações entre diferentes formas artísticas e artes intermediais.
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Este dossiê temático parte da constatação de que a história da arte foi construída, durante séculos, a partir de narrativas que marginalizaram ou invisibilizaram a produção artística das mulheres. Embora as últimas décadas tenham assistido a uma crescente valorização das artistas e ao desenvolvimento dos estudos feministas no campo da arte, persistem desigualdades nos processos de legitimação, representação e construção da memória cultural. Os artigos reunidos nesta edição propõem uma revisão crítica dessas narrativas, recuperando percursos esquecidos, reinterpretando arquivos, questionando regimes de visibilidade e explorando práticas artísticas contemporâneas que desafiam hierarquias estabelecidas. A partir de diferentes contextos geográficos, temporais e disciplinares, os contributos abordam temas como o cinema, a memória, o exílio, a performance, a média-arte digital, o artivismo e a inteligência artificial, evidenciando o papel das mulheres na produção artística e na construção de formas alternativas de conhecimento.
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Iniciação e transmissão do cinema às novas gerações
À margem do encontro Hipótese Cinema – por uma rede para a descoberta do cinema (Cinemateca Portuguesa e ESTC–Escola Superior de Teatro e Cinema do Politécnico de Lisboa, fevereiro de 2026), subordinado à reflexão sobre a iniciação e a transmissão do cinema, designadamente junto das novas gerações, e no âmbito do qual Alain Bergala e Teresa Garcia foram homenageados, Clara Parente, alumna da ESTC, entrevistou Teresa Garcia, realizadora e cofundadora d’Os Filhos de Lumière, associação que implementa em Portugal o prestigiado programa internacional Le Cinéma, cent ans de jeunesse (CCAJ). Criado em 1995 por Alain Bergala e Nathalie Bourgeois, o programa CCAJ possibilita que jovens de vários países e contextos experimentem a arte cinematográfica, aliando o ver e o escutar ao fazer. Este projeto funciona como uma porta para o cinema a partir da escola, ligando de forma indelével alunos, professores e profissionais. Referência nos campos do cinema, educação e pedagogia, Teresa Garcia aborda, entre outros aspetos, a sua primeira experiência afetiva ao ver um filme, a experimentação do teatro e a posterior opção pelo cinema até ao ingresso na Escola de Cinema. A realizadora retrata ainda a transição do trabalho enquanto anotadora e assistente de realização para a área da iniciação ao cinema junto de crianças e jovens, em articulação com a realização dos seus próprios filmes. Hoje, completados 25 anos da criação da Associação Os Filhos de Lumière, reflete-se sobre o presente e o futuro do cinema, destacando-se como a transmissão constitui um lugar de encontro e de coletivo. Aborda-se, de igual modo, a articulação deste trabalho com a escola e com os profissionais do cinema, bem como a importância da experiência de visionamento em sala, numa época em que o território português carece de salas de cinema.
Sobre a persistência em O Salvado, de Olga Roriz
Neste texto, a persistência é tomada como noção central para pensar O Salvado, da coreógrafa Olga Roriz, acompanhando a forma como o espetáculo a torna sensível através de uma diversidade de modos de presença. A análise mostra como, no solo, a persistência atravessa a experiência, a composição e a reflexão.
Neste artigo propõe-se uma revisão historiográfica do cinema em Portugal a partir da trajetória de Marie Isabelle Canto da Maya (1944–2022), criadora ainda por conhecer. A sua obra é analisada num contexto de reavaliação do papel das mulheres no cinema português, tradicionalmente obscurecido por modelos historiográficos centrados em autores masculinos, longas-metragens de ficção e produções canónicas. Marie Canto da Maya surge como uma figura complexa e difícil de fixar, tanto pela dispersão dos arquivos como pela instabilidade de dados biográficos e artísticos. Escreveu, realizou e produziu filmes, foi atriz e fotógrafa e autora de textos sobre cinema e a relação desta arte com a infância, o inconsciente e a literatura. O documentário Hymne d’amour, dedicado ao pai, o escultor Ernesto Canto da Maia, ocupa um lugar central nesta reflexão. Ao mesmo tempo biografia, diário íntimo e gesto autobiográfico, revela como a cineasta constrói a sua própria presença através da figura paterna. Estudar Marie Canto da Maya implica aceitar lacunas, fragmentos e arquivos incompletos, não para reconstruir uma biografia perdida, mas para compor criticamente uma presença feita de vestígios, imagens e nomes que desafiam a fixidez.
Este artigo apresenta a criação de CyberPerformanCity, uma metodologia experimental generativa destinada ao desenvolvimento de processos criativos que articulam média-arte digital, artes performativas e espaço urbano. O método pode revelar-se particularmente útil para artistas interessados em conceber e aplicar metodologias próprias no âmbito das suas práticas artísticas. CyberPerformanCity surge da necessidade de interligar três campos de criação — o ciberespaço, a ciberperformance e o espaço público – em projetos de média-arte digital. O seu desenvolvimento está associado aos projetos europeus CyPeT (2022–2023) e COST (European Cooperation in Science and Technology) Action Writing Urban Places: New Narratives of the European City (2020–2023). O artigo descreve os fundamentos conceptuais e metodológicos de CyberPerformanCity, bem como a sua aplicação prática. Apresenta ainda o processo de criação de dois artefactos ciberperformativos feministas da minha autoria, desenvolvidos respetivamente em Portugal e em Itália, que estiveram na origem da conceção deste método: Make me up! (2021) e Aretusa Vox (2023).
Este trabajo, mediante una metodología de registro y análisis de testimonio, aspira a visibilizar a mujeres prácticamente ignotas, que tuvieron un rol importante en el contexto del exilio español del siglo XX con motivo de la Guerra Civil. Esas mujeres muchas veces quedaron opacadas, por haber sido compañeras de hombres más célebres o por la dedicación a labores de cuidado que dejaron en segundo plano vocaciones y desenvolvimientos artísticos. El artículo aborda el caso de María Victoria Iniesta, que se destaca porque, en su testimonio, convergen diversos aspectos sobre formación musical, actuaciones teatrales y vínculos en el despliegue de una red artística que convocó tanto a personalidades que conquistaron celebridad como a aquellas con las que no ocurrió lo mismo.
O presente artigo desenvolve uma reflexão crítica a partir do projeto autoral in/visibilidades no feminino, investigação baseada na prática que articula Média-Arte Digital (MAD), artivismo e mediação cultural na problematização de regimes de invisibilidade feminina, mobilizando a Inteligência Artificial Generativa (GenAI) enquanto dispositivo de coautoria crítica. O estudo incide sobre o modo como a prática artística mediada por GenAI pode produzir contranarrativas visuais e sonoras sobre o feminino através da reinscrição de cânticos femininos recolhidos por Michel Giacometti no Algarve. Analisa-se a transição entre suportes digitais e materiais, a experimentação com imagens algorítmicas e a intervenção dialógica enquanto processos de reconfiguração crítica das representações do feminino.
Este artigo investiga o filme ensaio contemporâneo e suas intersecções com a autorrepresentação, o metacinema, a performatividade e a poesia a partir do filme argentino Las poetas visitan a Juana Bignozzi (2019), de Mercedes Halfon e Laura Citarella. Considerando a dificuldade de sistematização do ensaio fílmico, decorrente da amplitude das estratégias narrativas e de suas intersecções com outras formas cinematográficas, a pesquisa adota uma abordagem interpretativa, pautada pela análise fílmica e pelo diálogo com as teorias a respeito do ensaio, tanto em sua forma literária quanto cinematográfica. Sugere-se que, mais do que um componente formalístico de estilo, no presente estudo de caso o “poético” constitui-se como elemento essencial do filme como ensaio, permitindo-lhe ultrapassar o discurso puramente argumentativo e instaurar modos de pensamento que combinam subjetividade e crítica.
Representações feministas em arte digital
Este artigo analisa a relação entre arte feminista, práticas digitais e regimes de representação do feminino a partir de uma análise qualitativa de obras de Beatriz Albuquerque e Mónica de Miranda. Partindo da crítica feminista à História da Arte, dos estudos visuais e da reflexão sobre novos media, propõe-se uma leitura das obras através de quatro eixos: corpo e olhar; mediação tecnológica; memória, arquivo e colonialidade; e estratégias de resistência/contra-representação. A análise procura demonstrar que, embora o digital amplie possibilidades de circulação e experimentação estética, nele persistem disputas por visibilidade, autoria e legitimação. Ao articular duas artistas portuguesas, contribui-se para a discussão sobre arte digital feminina/feminista em contexto português, evidenciando modos distintos de reconfigurar corpo, identidade, pertença e poder.
O Editorial deste número esboça a relação entre a revista académica Rhinocervs - M´úsica, Dança, Teatro e as artes em geral e anuncia a restruturação do periódico em 2026.
Revelação analógica manual, a película e o seu potencial de expressão criativa
Numa época em que predomina, há mais de década e meia, o cinema digital, o uso de película já se apresenta como um método alternativo, com a possibilidade de esta se libertar da exigência do rigor técnico, podendo ser explorada como uma forma experimental criativa de livre uso da imagem em movimento. Ao longo do projeto LEF16, desenvolvido na Escola Superior de Teatro e Cinema do Instituto Politécnico de Lisboa no âmbito do projeto de prática artística IDI&CA 2024 (financiado pelo IPL), ensaiou-se o processamento analógico de película de 16mm e os resultados inerentes a este método. Neste artigo partilha-se parte desse processo e reflete-se sobre a forma como o mesmo, predominantemente prático e técnico, pode proporcionar explorações artísticas criativas.
A animação é uma arte que apenas tardiamente começou a ser teorizada na academia. Por essa razão, as tentativas de cristalizar uma definição desta prática foram sucedendo-se à mesma velocidade a que surgiam inovações tecnológicas e novos caminhos estéticos. As mais recentes propostas de reflexão sobre a animação procuram olhar para esta prática não como um objeto mas como um processo em que reencontramos determinados aspectos caracterizadores. Proponho que para além dos aspectos ou elementos característicos habitualmente associados à animação, podemos pensar esta arte como essencialmente intermedial. Sob essa perspectiva analisarei o trabalho da realizadora Joanna Quinn e as diversas maneiras como os seus filmes exploram as possibilidades performativas do desenho, fundindo-as com códigos narrativos de outras artes performativas.
Este ensaio teórico-conceptual de pendor filosófico-estético procura examinar o impacto das novas tecnologias de áudio, em especial as digitais, na redefinição da obra musical, refletindo como, na música popular, o master – o ficheiro final, autorizado para distribuição, do processo de produção – adquire o estatuto ontológico de objeto artístico matricial – ou seja, a referência normativa a partir da qual as várias cópias são geradas. Contrasta-se esta dinâmica, para uma problematização mais precisa, com a da música erudita, na qual parece tendencialmente prevalecer a centralidade da performance ao vivo e da fidelidade representacional. Através de referências teóricas, exemplos e até cenários hipotéticos, analisa-se também a forma como o estúdio se transforma em espaço de criação estética, no qual o design sonoro adquire o mesmo peso artístico dos parâmetros tradicionais. Conclui-se que, ao ser integrada no quotidiano através da audição repetida – possibilidade inaugurada pelo master –, a música popular se transforma num artefacto cultural ubíquo e funcionalizado, refletindo as próprias transformações que têm radicalmente reconfigurado as sociedades modernas.
Introdução: hibridismo como uma condição inevitável das artes
O artigo introdutório ao número especial da revista Rhinocervs – Cinema, Dança, Música, Teatro (Junho 2025), intitulado Nexos Intermediais – O Estado Impuro das Artes, explica a lógica subjacente ao tema do hibridismo artístico a partir de duas perspectivas aparentemente opostas, a das artes e a dos mediums (em português: meios), que, no entanto, se mesclam no conceito e na prática da Intermedialidade.
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Uma arquitetura coreográfica e performativa na intermedialidade de Body-Buildings
O filme de Henrique Pina Body-Buildings (2023) coloca em diálogo a dança, a arquitetura e o cinema, ao apresentar seis obras performáticas de seis coreógrafos diferentes que decorrem em seis obras de arquitetura distintas em Portugal. Este filme de natureza intermedial apresenta-se em oposição à ideia do mero registo da peça de dança filmada em espaços arquitetónicos. A câmara cinematográfica de Pina entra em diálogo com o movimento dos corpos e com a arquitetura, invocando outras perspetivas/ visões/ planos, que seriam impossíveis de concretizar na vivência quotidiana do espaço arquitetónico. Body-Buildings não celebra apenas o encontro direto entre as artes performativas e a arquitetura, mas também constrói e abre as vias respiratórias a um espaço fértil e híbrido que nos transporta para o abismo de novas possibilidades estéticas e sensoriais. A intermedialidade presente nesta obra não é apenas uma ferramenta de experimentação, mas encerra em si uma força transformadora que procura redefinir a forma como se entende e experiencia o espaço e a arte.
Duas famílias opostas em Verona: de um lado, uma jovem rapariga que nunca tinha pensado em casar, Julieta Capuleto; do outro, um jovem desesperado para amar, Romeu Montecchio. As atrizes e os atores penetram no espaço do Shakespeare’s Globe Theatre em 2012 num alegre cortejo, cada qual com um instrumento musical...[1] A tragédia tem início! A proposta deste ensaio é investigar os princípios e dispositivos da adaptação em Shakespeare e a antropofagia cultural enquanto operador intermedial no Romeu e Julieta pelo Grupo Galpão, analisando a transmutação desta tragédia em um espetáculo musical simultaneamente popular e erudito, com forte vertente cómica e circense, contribuindo assim para uma melhor compreensão da pesquisa de linguagem desta encenação galpaniana.
Corporalidade e imagística, intermedialidade e inter-sensualidade no filme Portrait of a Lady on Fire, de Céline Sciamma
O drama romântico de Céline Sciamma de 2019 dá ênfase à representação pictórica relacionada com a questão do olhar feminino [female gaze]. O filme aborda a feminilidade ao empregar de modo quase exclusivo personagens do sexo feminino, mas também ao enfatizar manifestamente o poder do olhar feminino. Partindo de uma análise intersecional (Wilson 2021), o artigo propõe pensar mais a fundo os diferentes modos como o olhar feminino se encontra relacionado com a intermedialidade e a intersensualidade, convidando a um diálogo simbiótico entre os sentidos e as outras artes. Na relação entre pintura e cinema também se abordará o contributo da pintora Hélène Delmaire. O filme de Sciamma dramatiza o processo de transformação em imagem, o qual implica uma objectificação, e o papel da perceção feminina na tentativa de resistir a esse resultado. O processo de pintura torna-se mediador no processamento de emoções, dando voz ao indizível num extravasamento de sensações e de transformações intermediais.
Interpretar os media e jogar com os sentidos
Neste artigo considero o teatro como o paradigma de todas as artes e como a arte do performer. Concentro-me nos aspectos performativos da arte tal como manifestados na construção de mundos, no posicionamento em palco (“staging”), auto-referenciação e auto-reflexão. Estes dois últimos aspetos são particularmente relevantes na minha interpretação de intermedialidade como um modo específico de performatividade, provocando – com todas as suas fricções, contrastes e disjunções – uma força criava que ocorre de acordo com o princípio de “ambos-e”. Também abordo o facto de o teatro funcionar como um hípermeio [hypermedium], servindo de palco para que outros media possam ser encenados ou até mesmo, e sobretudo, funcionando como um local de interpretação e prazeroso usufruto de outros media permitindo um jogo com os sentidos e conferindo ao espectador um papel de experienciador. Através de uma breve análise de três espectáculos, proponho-me demonstrar como o princípio intermedial do ambos-e pode funcionar.
Os objectivos éticos como critério de criação: a companhia checoslovaca Theatre on a String na década de 1980
Na década de 1980 a companhia checoslovaca de teatro alternativo Divadlo na provázku (em inglês: Theatre on a String; em português: Teatro Num Cordel) experimentou a possibilidade de explorar múltiplas formas de arte e de ignorar os limites estritamente definidos para cada disciplina artística. O ponto de partida foi o seu programa artístico de “irregularidade”, que se refletia em todos os componentes da produção teatral, no processo de encenação e na organização do grupo. Este caso de estudo debruça-se sobre um projeto teatral específico que decorreu no outono de 1985, intitulado precisamente O Projeto 1985, o qual se situava entre a literatura e o teatro. O destaque vai para o sketch teatral The Monument [O Monumento], estreado a 30 de novembro de 1985 e levado à cena juntamente com uma escultura de Jan Šimek. O artigo tem em conta o facto de a companhia funcionar sob um regime comunista autoritário onde vigorava a censura, descrevendo as estratégias necessárias para garantir que o espectáculo estreasse perante o público. O grupo entendia o teatro como uma ferramenta em que as performances eram imbuídas de objetivos éticos mais do que estéticos.
“Quem está aí?” Distância performativa e público intermedial na ciberformance
A ciberformance, uma prática híbrida que mistura ambientes físicos e virtuais, desafia as noções tradicionais de participação do público e de distância performativa. Este artigo investiga como a intermedialidade molda a dinâmica destas performances, levando ao surgimento de um público intermedial. Baseando-se nas teorias clássicas de Bertolt Brecht e Antonin Artaud, em académicos contemporâneos como Freda Chapple e Chiel Kattenbelt e na prática da ciberartista Helen Varley Jamieson, este ensaio estabelece uma ponte entre perspetivas históricas e teóricas e exemplos práticos de ciberformance. A mudança de paradigma possibilitada pelas tecnologias da internet permite uma convergência entre artistas e público, transformando criações artísticas individuais em processos colaborativos. A pergunta de Hamlet “Quem está aí?” simboliza a consciência duradoura do público, agora reformulada dentro dos contextos digitais e de realidade mista. Este artigo explora como a ciberformance negocia interação, autoria e agência, examinando o equilíbrio entre o controle do performer e a participação do público.
Modalidade espaço-temporal em Aqui, de McGuire: conecções intermidiais entre graphic novels e arquitetura
O tempo é um dos grandes temas da arte, explorado não como um conceito abstrato, mas por seus profundos efeitos na existência humana. Na graphic novel Here (2017), de Richard McGuire, o tempo interage com o espaço e emerge como uma força narrativa, atuando como narrador-personagem. A obra de McGuire desafia a lógica espaço-temporal convencional, integrando a intermidialidade e perspectiva, à luz da arquitetura. A narrativa se desenrola por meio de temporalidades sobrepostas em quadros estáticos, não lineares. Essa complexidade visual ressoa com as modalidades de Lars Elleström. Assim, o objetivo do artigo é discutir como o narrador se revela como uma câmera fixada pelo tempo, enquanto a quina de uma sala de estar se torna personagem-testemunha de uma longa história. Ao situar Here na interseção entre graphic novels e arquitetura, o uso inovador do espaço estático e da temporalidade dinâmica redefine as possibilidades narrativas na arte sequencial.
Cinema modular – Um filme-resposta de Chantal Akerman a Pina Bausch
O propósito deste artigo é demonstrar como o filme Un jour Pina a demandé (1983), de Chantal Akerman, mais do que inscrever-se na linhagem de documentários e peças televisivas sobre a figura artística de Pina Bausch, pode (e deve) ser pensado como filme-resposta (uma resposta criativa, se quisermos) à praxis da coreógrafa alemã. Un jour Pina a demandé actua como co-criador face à matéria artística (imagens e sons dos espectáculos, e/ou ensaios de Bausch e dos bailarinos da sua Companhia – a Tanztheater Wuppertal) que se propõe a modular cinematograficamente. Identificaremos, nesse tratamento, uma série de operações cinematográficas que condizem com o método de criação (i.e. da visão) da própria Pina Bausch. Por fim, argumentaremos que o filme de Akerman serve de modelo para uma definição de cinema modular, segundo a qual a praxis cinematográfica pode ser pensada como uma resposta afectiva a outras obras de arte (cénicas, plásticas, visuais ou sonoras), revelando os aspectos intrinsecamente cinematográficos e, possivelmente, originando uma outra obra a partir dessa revelação.
Ficção, realidade e média arte digital: a curadoria como ferramenta de sensibilização no desporto
Neste artigo destacamos o papel da curadoria ativista como ferramenta de reflexão e de transformação. social. Através da análise de um projeto curatorial, pretende-se demonstrar de que forma a integração de narrativas expositivas com a arte digital pode ajudar a promover a igualdade de género no desporto. Explora-se o papel dos museus como meios de comunicação, a interseção entre igualdade de género e média-arte, e o impacto das tecnologias digitais em narrativas imersivas. A exposição MULHERES NO DESPORTO, do projeto Paralelo 3, exemplifica esta abordagem, combinando factos, como marcos históricos e estatísticas de género, com elementos ficcionais, como personagens criadas por inteligência artificial e instalações interativas. Esta fusão narrativa visa sensibilizar os visitantes, fomentando diálogo e empatia. A colaboração entre curadoria, tecnologia e arte reforça a importância da criatividade na conceção de exposições transformadoras, que vão além da contemplação passiva para estimular a consciencialização e a mudança social.
Desfazendo fronteiras: uma reflexão sobre o campo expandido nas artes do caminhar a partir da caminhada artística Imemorial: Passos no Cativeiro
Neste artigo queremos pensar a caminhada como uma forma de arte “expandida”, enquanto expressão artística de convergência entre vários formatos integrando elementos tão diversos como tempo, espaço, performance, cenografia, sonoplastia, dramaturgia, tecnologia e participação do público, para criar experiências imersivas e incorporadas. Enfatizamos o seu potencial como acontecimento multimodal, mobilizador, capaz de gerar novos estratos de significação no espaço público, e a sua capacidade inerente de envolver os participantes num processo de receção ativa, inserindo-se num campo de práticas artísticas contemporâneas que tensionam a relação entre corpo, história e paisagem urbana. Debruçamo-nos sobre um caso de estudo, a caminhada-performativa: Imemorial-Passos no Cativeiro, que num percurso estruturado em estações narrativas, questiona processos de apagamento histórico fazendo uso de um dispositivo narrativo e sensorial ativador da memória coletiva e (re)configurador da perceção do espaço urbano. A partir desta análise, discutimos como as artes do caminhar se podem posicionar na interseção entre estética, política e tecnologia, evidenciando a sua relevância no panorama das práticas artísticas contemporâneas.
A Rhinocervs - Cinema, Dança, Música, Teatro é um periódico científico do Instituto Politécnico de Lisboa, especialmente dedicado às áreas artísticas e científicas do cinema, dança, música e teatro. A publicação do nº. 2 reafirma não só o compromisso das escolas de arte do IPL na produção e divulgação de investigação e prática artística relevantes nas áreas indicadas, em particular, obedecendo, porém, a um princípio extenso de entendimento das artes e das suas relações, em geral, mas sobretudo à pretensão de intervenção e pertença a um contexto alargado de investigação e prática artísticas, a nível nacional e internacional.
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Monjas virtuosas: as cantoras do Mosteiro de São Bento da Avé-Maria do Porto na transição do século XVIII para o XIX
A música produzida no Mosteiro de São Bento da Avé-Maria do Porto adquire especial relevo na transição do século XVIII para o XIX; ao menos, é o que indicam os manuscritos musicais preservados na Biblioteca Nacional de Portugal. Do conjunto de musicistas desta importante instituição monástica, as cantoras destacam-se por seu grande virtuosismo técnico, nomeadamente as mestras de capela Dona Anna Felícia e Dona Anna Ignacia de Freitas, e ainda Dona Maria Cândida Cardoso de Figueiredo, para quem foi composta uma ária na clave de fá na quarta linha. O presente artigo dedica-se ao estudo das obras vocais compostas para voz de baixo e interpretadas no antigo mosteiro da Avé-Maria e à figura de Dona Maria Cândida Cardoso de Figueiredo. Por meio da análise das partituras musicais do antigo mosteiro conservadas na Biblioteca Nacional de Portugal, procuramos perceber a tessitura vocal dessa monja e a sua capacidade de cantar tanto como solista, como membro de um ensemble vocal.
A “Liberdade” no Film Noir: a Femme Fatale como símbolo da libertação feminina no cinema
Reflexão sobre o film noir, desenvolvido nos Estados Unidos da América, no período dos anos quarenta e cinquenta do século XX e como este género cinematográfico, inserido num espaço temporal de guerra e pós-guerra se pode associar ao conceito de liberdade. E em particular, como a personagem femme fatale, se tornou, numa época de restrições e censura, num símbolo da liberdade feminina.
Uma exploração teórica a partir da performance Movimentos Demorados para uma Alegria Obstinada
Este artigo reflete sobre uma prática iniciada por Inês Zinho Pinheiro e Massimo Milella após a sua performance de 2023, Movimentos Demorados para uma Alegria Obstinada, criada com um grupo informal de performers-investigadores em som, dança e dramaturgia visual. A prática é orientada por uma metodologia em desenvolvimento introduzida por Inês, intitulada dancepting, que combina coreografia, dança e investigação teórica. O artigo desdobra-se em três questões-chave extraídas desta prática: ‘Como podemos imaginar uma escolha?’ explora o potencial de movimentos ainda por realizar, destacando a tensão entre o visível e o invisível; ‘Como concretizamos algo intangível?’ aborda o desafio de tornar ideias abstratas visíveis e tangíveis, preservando a sua intangibilidade; ‘Como passamos por isso juntos?’ considera o equilíbrio entre autonomia e coletividade nesta performance. O artigo conclui com uma conversa danceituada que funde narrativas e leituras, sendo marcada por uma leve ingenuidade essencial à procura de uma alegria obstinada.
Neste artigo, discutem-se a teoria e a inspiração subjacentes à produção, realização e montagem de numa adaptação cinematográfica do Rei Lear de Shakespeare intitulada Nothing From Nothing (2024/2025). O objetivo é realçar o valor estético do nada, expondo a capacidade e o poder milagroso do nada para se criar a si próprio a partir de si próprio e para inspirar a criatividade autónoma nos outros.
Réquiem por la muerte de Miguel Hernández de José Antonio Cáceres: una obra de poesía cinética en el final del franquismo
Réquiem por la muerte de Miguel Hernández es una obra de poesía cinética de José Antonio Cáceres realizada 1975. Es la primera del grupo de siete cinéticas que produce en el final de la década 1966-1976, en la que desarrolla el grueso de su poesía experimental. Se tensiona, temáticamente, con la situación sociopolítica de España en el final del franquismo, y experimentalmente, con la vanguardia universal de la poesía visual. Se trata, además, de la primera obra en la que prescinde de cualquier elemento caligráfico relativo al lenguaje escrito convencional, suponiendo un avance sin retorno en su evolución experimental.
Réquiem por la muerte de Miguel Hernádez